E-Z Rollers “ Dimensions of Sound ”(1996)

https://www.youtube.com/watch?v=ED6mBEEvW2s



いま聴くと少し懐かしさを感じる90年代テクノビート。
車の中から眺める未来都市の風景が走り過ぎていく感覚だろうか。

Gary Numan “ Replicas ”
https://www.youtube.com/watch?v=AIGn78YHfn8



1980年代初期の未来派テクノ音楽の代表格。
本人の外見的イメージの非人間性も手伝って大人気になった。
特に“ Down In The Park ”は今聴いても幻想的で良い。

Iron Maiden “ Aces High ”
https://www.youtube.com/watch?v=e1rlk4yaRZQ



歌詞は第二次世界大戦を扱ったもの。
戦闘機同士のドッグ・ファイトを想像するとＳＦアクション的で最高の曲。

Within Temptation “ The Silent Force ”
https://www.youtube.com/watch?v=aepv_A9FflQ



オランダのゴシック・メタル。
壮大な曲想とコーラスワークにヘヴィな重低音。
龍と魔術と戦闘の中世ヨーロピアン・ファンタジー世界を思わせる。
このバンドの最高傑作とされることが多いアルバム。

テルミン狂想曲　第４２楽章「悲愴」 　
　[太鼓の達人]
https://www.youtube.com/watch?v=E0VEqKve73w



ホラー。
といっても、これはギャグだと思うんだが子供は怖がるそうだ。

その独特の音質を不気味に演奏することによってホラー映画のＢＧＭとして有名になってしまった奇妙な楽器テルミン。
ハードロック･ファンならＬ.Ｚ.のジミー・ペイジのライブ演奏で知っているはず。

Jimmy Page Plays Theremin and Violin Bow solo. 17th July 1977.
https://www.youtube.com/watch?v=QtoVZ4eObg8




まあ、ホラーとしか言いようがない・・・・・

ホラーな曲を２曲ばかり紹介したが、
実は科学技術史上で言っても画期的な初期の電子楽器の一つである。
演奏者の個性と技術によっては女声ソプラノとバイオリンの中間の様な美しい音楽を奏でることも出来た。

Clara Rockmore plays Theremin
Tchaikovsky　 "Berceuse"
https://www.youtube.com/watch?v=6-T2R830QnU

The M.T. Quarter　“ Glass Finger ”
https://www.youtube.com/watch?v=tYGTYCpcZsU



機械的躍動感が素晴らしい。
サイバー音楽の代表みたいな曲。

Portishead “ Dummy ”(Full Album)
https://www.youtube.com/watch?v=XvBKcRu9eC8



1994年発表のデビューアルバム。
いま聴いてもＳＦともファンタジーとも分からない不思議な音楽性。
ライヴ活動を続けていくうちに電子音楽的な部分よりも
ヴォーカルのベス・ギボンズの中島みゆき的な情念が際立ってくるのだが、それはそれで良い。

Alice In Chains “ Alice In Chains ”(Full Album)
https://www.youtube.com/watch?v=-qhxGU1_2hA



恐らく、このバンドの最高傑作。
サイケデリックな、おどろおどろしいホラー世界が展開。
奇妙なユーモアや最終曲の叙情も感動的。
そういえばジャケットでも、ひと騒動あった。

Ministry “ Twitch ”
https://www.youtube.com/watch?v=XENb8ry_q_w&list=PLDA0D1BE22B2863CA&index=1



1985年の作品とは思えないほど先駆的(当然だが売れなかった)。
無機質で乾いた暴力的サイバー世界。

時代を考えると相当に過激なダンス・ミュージックだが、当時フロアで実際に踊っていた人がいたかどうかは知らない。
いま聞いてみると“ The Angel ”は叙情的にすら感じられるぐらいだが発表時は、これですら人間味が感じられなかった。


この無機質な音像にはアルバム１枚分も耐えられないという人には「オーヴァー・ザ・ショルダー」の１２インチ・ヴァージョンだけでも聴いてみる事を薦める。

“ Over the Shoulder ”　
　(12 Inch Version)
https://www.youtube.com/watch?v=2J0WtazHwQc&index=8&list=PLDA0D1BE22B2863CA

David Bowie “ The rise and fall of ziggy stardust ”　(Full Album)
https://www.youtube.com/watch?v=Muh1pk7xc2k



ＳＦ＆ファンタジーというと絶対に外せないのがデヴィッド・ボウイ。
アルバム毎に自分のキャラクターを替えていた1970年代の傑作。
といっても名曲だらけという訳ではなく、ジャケットやファッションを含めたアルバム・コンセプトの完成度が高いという作品。
表題曲とスターマンは名曲として名高い。

David Bowie “ Low ”
(Full Album) 1977
https://www.youtube.com/watch?v=WsELFp6s-lo



デヴィッド・ボウイとＳＦと言えば外せないのが、映画「地球に落ちてきた男(1976年)」。

今となってはＡ面とＢ面が別々のコンセプトで作られているＬＰ時代の曲構成は古さを感じるかもしれない。
ボウイと書いたが実際にはブライアン・イーノとの共作である。

このアルバムは映画のサウンドトラックとしては使われていなかったかもしれない(記憶が曖昧でスマソ)。
しかし、ＬＰレコードのＢ面４曲は、あの耽美で退廃的なＳＦ映画と同じ世界にある。
特に耽美的世界に浸りたい人には上記ＵＲＬの 19:30～ 以降を聴いてみると良いと思う。

David Bowie - "HEROES"
(Full Album) 1977
https://www.youtube.com/watch?v=Fmw7gSDRnTA



“ LOW ”の続編と言えるＢ.イーノとの共作。
ＳＦ的観点から言えば、まだ電子楽器の種類も少なく、電子音楽の方向性も定まっていなかった時代である。
そのためジャーマン・テクノの影響を受けた前作はかなり前衛的だと捉えられていたようだ。

本作はタイトル曲が特に有名で、多くの歌手にカヴァーされている。
しかし、誰も本家スタジオ・ヴァージョンを超えた事は無いのではないか？
ＬＰレコードでいうＡ面の５曲はＤ.ボウイ以外の誰にも出来ないような凄まじい迫力の歌唱だ。
当時のロックファンに衝撃を与えた前作Ｂ面を再構成しようとして失敗したような本作の６曲目～９曲目は棚に上げて置く。

そもそもデヴィッド・ボウイはボブ・ディランの影響を受けてデビューした「歌もギターも、あまり上手くないアイドル歌手」の一人に過ぎなかった。
1970年以前の曲を聴くと、声が良いとは言えず、急に高くなったり低くなったりしていて自分でコントロール出来ていない。
言っちゃ悪いが、現在の「ブリティッシュ・ゴット・タレント」や「Ｘ-ファクター」に出場したとしたらワンコーラス目で退場になる程度の歌手だろう。

それから10年ぐらい「自分以外の誰か」になろうとしていた音楽的アイドル俳優デヴィッド・ボウイが遂に到達した本領が本作のＡ面曲だと思う。
音楽テクノロジーは時代によって更新されていくが本気の歌は古くならない。


最後10曲目は不思議と褒めている人が少ない美しい曲。

Cocteau Twins
“ Ivo ”
“ Lorelei ”
https://www.youtube.com/watch?v=1F9UTZcLPb4



初期コクトー･ツインズの最高傑作アルバム“ Treasure ”(1984)を聴いて欲しかったのだが
Youtube にフルアルバムが見付からないので冒頭の２曲を。

これは80年代ニューウェイヴ史の大傑作なので
出来ればアルバムを買って最初から最後まで聴いた方が良いと思う。
たくさんの妖精が浮遊しているような現実離れした美しいファンタジー世界。
意外にもアルバム中にはドラムサウンドがハードな曲も入ってます。

Mike Oldfield “ Tubular Bells (Part One) ”
(1973)
https://www.youtube.com/watch?v=1LFCG7kOsxE&list=RD1LFCG7kOsxE#t=0




イントロ部分は「ホラー映画の歴史的傑作『エクソシスト』の挿入曲として有名」とされている。
だが、あの映画の中では特に印象的なシーンで使われているわけではない。

むしろ映画に使われる前年に、このような無名の新人の作ったインストゥルメンタル主体のアルバムが全英チャートＮｏ.1 になっていることの方が重要だろう。
プログレッシヴ・ロックの全盛期でなければありえない巨大ヒットだった。

ＬＰレコードのＡ面が“ Part One ”であって、Ｂ面が“ Part Two ”


Mike Oldfield “ Tubular Bells (Part Two) ”
(1973)
https://www.youtube.com/watch?v=wKgVtDhzScI&index=2&list=RD1LFCG7kOsxE



アルバム全体としてはホラーっぽさは僅かで「古きよき英国ファンタジー」の趣きが強い。

The Walking Dead Season 5 Opening Credits
https://www.youtube.com/watch?v=NUUJbtk0uS4



The Walking Dead Theme Song
(Full　Chorus)
https://www.youtube.com/watch?v=RxPQaoCg5NE

興味深い

Wishbone Ash　“ Argus ”
Full Album　(1973)
https://www.youtube.com/watch?v=rH244IPXySE



ウィッシュボーン・アッシュの最高傑作とされる。
1970年代には二人のギタリストのソロ合戦が高い評価を受けている。
この時代のイギリスと欧州各国のハードロック・バンドは、どれも何らかの中世ファンタジー世界を持っていた。
それが、あまりにも現実社会と懸け離れていた為に若者達の反発としてロンドン・パンクが始まったりしたのだが、
この作品の当時はまだまだ職人的な演奏技術や現実離れしたファンタジー世界は歓迎されていた。

いいね

同じ曲だが上はアニメ作品のオープニング。
下はフルコーラス。

攻殻機動隊ＯＰ
https://www.youtube.com/watch?v=jJhsE3sKPik



Origa “ Inner Univers ”
https://www.youtube.com/watch?v=zHSIa5kpUVA

Game Of Thrones "Official" Show Open (HBO)
https://www.youtube.com/watch?v=s7L2PVdrb_8



これは音楽的には普通のオーケストラ曲だと思うが映像が面白い。
都市の武力(人間関係)を模型的に描いている。

Front 242 “ Quite Unusual ”
https://www.youtube.com/watch?v=urd8tG0xvoM



90年代的なテクノ音楽の典型例だろうか？
この時点では「ダンス・ミュージック」＝「明るく楽しい音楽」という訳ではなかったのである。
恐らく、こういった陰鬱なダンス・ミュージックはクラフトワーク辺りから始まっている。

(Full Album + Bonus Tracks)
(1974)
https://www.youtube.com/watch?v=MbKAHr6H9fs



話の流れ上からクラフトワークを貼らないわけには行かなくなった。
実際には電子音楽の創始者はたくさん居るのだが、その方向性を決定付けたのはドイツのＤＩＹ集団クラフトヴェルクである。
彼らは既存の楽器に満足出来ずに電子楽器を自作して演奏していた。

このアルバムは英米の電気楽器(※)主体のロック全盛期に発表された。
アナログ電子楽器を全面的に使った画期的なスタイルでロック・クラッシックを跨いで音楽シーンに衝撃を与えた歴史的傑作である。
が、今聴くとテンポが鈍く退屈なのは仕方がない(入眠時には悪くない)。

古典的傑作というのは広範囲に影響を与える為に多くのフォロワ―達に乗り越えられてしまう。
そのために現在の視線で見ると当時の衝撃性が全く無くなっているものなのである。
現代人がオーソン・ウェルズの映画「市民ケーン」を観ても何が傑作なのか理由が解からない。

だが解かる方法はある。
その作品と同時代の別作品にたくさん触れることだ。
比較対象を現在の作品にしてしまえば陳腐なのは当然であって、実際には作品は作られ発表された時代との関係で語られなければ真価は解からない。

Kraftwerk “ Radio-Activity ”
(Full Album + Bonus Tracks)
(1975)
https://www.youtube.com/watch?v=4kEti-BB4Pw



全体的には前作の延長線上にある音楽だと言って良い。
音がクリアになったのは単純に技術的な進歩だと考えて良い。
が、13:40から始まる４曲目“ Airwaves ”のダンサブルな躍動感は前作には無かった方向性である。

このバンドについては既に音楽雑誌やインタヴュー、単行本、ラジオやＴＶ、wikipediaなど、あらゆるメディアによって語りつくされてきた。
なので今更、私が付け加えることなど何も無いのだが
ＳＦ的観点からすると「何故、電子音楽が創られなければならなかったのか？」というのは素朴かつ重要な問題である。

Kraftwerk “ Trans-Europe Express ”
(Full Album + Bonus Tracks)
(1977)
https://www.youtube.com/watch?v=i7i83yoQSo0



不滅の傑作「ヨーロッパ特急」。
流石にこれを無視してＳＦと音楽の歴史的関係性を語るのは無理がある。

３曲目の“ Showroom Dummies ”だけは少し違う感じもあるが、
全体的に統一されたコンセプトが貫かれておりプログレ的なトータル・アルバムとしても素晴らしい。
時代性を考えれば「竜と魔法と剣」のファンタジー性から最も離れたＳＦ的音楽といって良いのではないか？



さて、「何故、電子音楽が始まってしまったのか？」という疑問であるが、幾つかの説がある。
単に産業革命以降の技術的な進歩であったというような説、
物珍しいから一時的に流行ったというような説、
ＳＦ小説的な「未来への憧れ」がヒットを生んだという説。

どれも一聴に値する。
実際、そういう側面がたくさん発見されるからである。

だが、ここでは論理的に「そう成らざるを得なかった」という話をする。

世界中どんな地域の民族にも独自の音楽があり、それぞれの音楽理論がある。
邦楽の陰旋法・陽旋法とインドやアラビアの音楽理論が違うのは民族と歴史が違うのだから当然である。

ヨーロッパでは古代ギリシャ時代からピュタゴラス等によってリズムや和音の研究が行なわれていた。
始めは素朴だった音楽は徐々に高度になり、
教会音楽・少年声楽・大音楽団などの様々な発展を迎える。

その間に理論的な追求が行なわれ、
やがてベートーベン・ワーグナー・ブルックナー等の壮大な交響曲が創られるまでになった。

細部に亘る音楽理論の高度化が進むことで
２０世紀には理論の方が現実の音楽を超えてしまうようになってきた。

そこで、ドイツの一部の作曲家たちが
「理論の証明の為に曲を作る」という本末が転倒した思想を持つようになったのである。

「理論とは純粋で存らねばならない」

ここで問題になったのが演奏者の人間性である。
ヴァイオリニストでもピアニストでもドラマーでも同じだが、人間である以上は「個性」がある。
純粋な音楽理論の証明のためには演奏者の個性は邪魔だ。
それは排除されなければいけない不純物である。

「個性のある人間なんかに演奏させてはならない」

では、どうすれば良いのか？

「無個性な機械に演奏させよう」

第二次大戦後のテクノロジーの発展によって「音楽理論を電気的・電子的に表現する」という思想が起こってきたのである。
特にヨーロッパではオルゴールなどの自動演奏機械の歴史が物を言ったようだ。

つまりポピュラー・ミュージックからではなくクラシック・ミュージックから始まったのが電子音楽である。
クラフトヴェルクの中心人物の二人も貧乏人のロック畑ではなく裕福なクラシック村からやってきた。

Kraftwerk　“ Kraftwerk ”
(1970)
https://www.youtube.com/watch?v=E4b0-juTiQ8



Kraftwerk “ Kraftwerk 2 ”
(1971)
https://www.youtube.com/watch?v=YXgvsUjstXY



彼等の表現は英米を中心としたポップ・ロック音楽とは全く違っていた。

実は当時ジャーマン・プログレ等と言われていた音楽は、どれもポピュラー・ミュージックの流れからは懸け離れていた。

ただの音楽好きではないな

だが、クラフトワーク以外のどのバンドも世界的な成功を治めることは無かった。

音楽シーンに於けるクラフトワークの存在の重要さは理屈っぽいヨーロッパの白人に感心された事ではない。
彼等の音楽を聴いたアメリカの黒人たちが「こいつはファンキーだぜ！！」と踊りだしてしまったことにある。


Afrika Bambaataa & Soul Sonic Force - Planet Rock
https://www.youtube.com/watch?v=9lDCYjb8RHk




Afrika Bambaataa “ Planet Rock ”
https://www.youtube.com/watch?v=hh1AypBaIEk

完全に理論が先行した形で始まった電子音楽が最先端のダンス・ミュージックとして楽しまれる、
というのは奇妙なことだったが歴史的事実である。

もっと奇妙だったのは日本人の動向であろう。
これに関しては別に一考を必要とする。
アメリカ黒人の反応とは全く違っていたからである。

Metallica “ Enter Sandman ”
[Official Music Video]
https://www.youtube.com/watch?v=CD-E-LDc384



ヘヴィメタル史上の不朽の名曲エンター・サンドマン。
この歌詞がファンタジー・ホラーだというのは案外知られていない。

Yes “ Close To The Edge ”
https://www.youtube.com/watch?v=GNkWac-Nm0A



ほとんどが前奏じゃないか、などと言われる「危機」であるがＢ面は悪くない。

Emerson, Lake & Palmer “ Tarkus ”
(1971)
https://www.youtube.com/watch?v=WKNOlDtZluU



英プログレの異色バンドＥＬＰの初期代表作。
他のバンドはギタリストが重要な位置に居たがＥＬＰにはギタリストが居ない(多少はグレック・レイクが弾いている)。

元々キース･エマーソンのピアノスタイルは非常にパーカッシヴ(衝撃的)なもので他人には似ていない。
彼の若さとモーグ・シンセサイザー(日本では『ムーグ』と発音されていた)の発明時期が重なったのは歴史的な幸運である。
これ以降モーグ・シンセの音とエマーソンの演奏スタイルは切り離せないものとなっていった。

前身バンドでもエマーソンのスタイルは変わらないのだがリズムが弱かった。
エマーソンの衝撃的なモーグ・シンセ音に反応するカール・パーマーのドラミングこそバンド編成の妙。
ＥＬＰではリズムの主導権を握っているのはドラマーではなくキーボーディストである。
このアルバムのタイトルはイラストの怪物のことだが、重要なのはＥＬＰの音楽スタイルがここで確立した事であった。

Flash - Queen (Official Music Video)
http://www.youtube.com/watch?v=MS4_Z84-rRE

Yes “ 90125 ”
FULL ALBUM
(1983)
https://www.youtube.com/watch?v=QJIwU5QyCtQ



ＹＥＳの再結成第一弾アルバム。
大ヒットしたシングル" Owner of a Lonely Heart "が有名。
アルバム全体として多重録音されたジョン・アンダーソンのヴォーカルが印象的だが、驚くほど70年代臭がしない。
ＹＥＳとしては割りに短めで聴き易い曲が並んでいる所がヒットの理由の一つであろう。
レコーディングの主導権を握っていたのは若き新メンバー、トレバー・ラヴィンだと思われる。
" Our Song "などは日本アニメの主題歌になってもおかしくないポップさである。
しかしＳＦとプログレのファンとしては " Changes "や. " Leave It "のドラマティックな曲展開に注目してしまう。

Emerson, Lake, and Palmer “ Brain Salad Surgery ”
Full Album
(1973)
https://www.youtube.com/watch?v=pmtWExgQYs4



ＥＬ＆Ｐの最高傑作は何か？というのは難しいところである。
人によっては「展覧会の絵」であろうか？

このアルバムはＨ.Ｒ.ギーガー・デザインの観音開きジャケットで有名(骸骨面を開くと女の顔が出てくる)。
楽曲の内容はジャケットのイメージ程おどろおどろしい訳でもなく、ポップそのものという" Benny the Bouncer "なんていう曲も入っている。

三部構成の "Karn Evil 9 ”の“ 1st Impression "がパート１,２に分かれて記録してあったのはＬＰレコードの収録時間が限られていた為。
片面に“ 1st Impression "から“ 3rd Impression "まで全曲は入り切らなかったのである。
そのため、この部分はＣＤでは繋がって収録されている。

「曲展開の構造的な論理性」を追求することが多かった当時のプログレ及びハードロック・バンドたちの中でＥＬ＆Ｐはスピードと音の質感との快感に特化したような曲が多い異色な存在であった。
部屋の中でじっくり聞き込むピンクフロイド等に比べるとＥＬ＆Ｐの曲はカーステレオに入れて高速でブッ飛ばすのに向いている。

Kraftwerk “ The Man-Machine ”
Full Album + Bonus Tracks
(1978)
https://www.youtube.com/watch?v=NL3NqfFTec8



これが当時の電子音楽の最先端だと思うと現在との技術的落差に驚かされるかもしれない。
日本では同じ年にＹＭＯがデビューしている。
アメリカでも様々な電子音楽が登場してきた為にクラフトヴェルクは徐々に時代遅れになって来ていた。
しかし音数は少ないが現在のダンスに特化した下手なラップ・ミュージックなんかより余程メロディアスで叙情的なリズム表現である。
「人間と機械の融合」というＳＦ的コンセプトとしては後進の音楽家たちに越えられてしまっていたかもしれないが、いま聴くと非常にポップで良い。

Ministry “ ΚΕΦΑΛΗΞΘ (Psalm 69) ”
Full Album
(1991)
https://www.youtube.com/watch?v=K-jR-9o0cew




電子リズムに乗った暴力的メタルギター。
歪み切ったヴォーカルとノイズ。
MINISTRY 自身が開拓したジャンルであるインダストリアル･メタルの最高峰の一つ。

テクノの変種として技術的に優れているだけでなく、70年代パンク的不良性とメタルの筋肉暴力性が一体化しているスタイルは極めて新しかった。
1990年代初頭にサイバーパンク世界を体現した狂気の傑作アルバムである。

このアルバム以降のミニストリーは徐々に曲のスピードが遅くなっていき、
サウンドの革新性もナイン・インチ・ネイルズやＫＭＦＤＭなどに追い抜かれていくようになる。

Enya “ Orinoco Flow ”
(1988)
https://www.youtube.com/watch?v=Lg1t56JucE4



ケルト民族を扱ったＮＨＫのドキュメンタリー番組で使われた音楽が日本でのデビューと言って良い。
“ ENYA ”もしくは“ CELTS ”というアルバムだが１～2分の短い曲がたくさん入っていて、いま聴いてみるとエンヤらしさはあまり強くない。
しかし、それを聴いたプロデューサーが「何年かかってもいいからアルバムを作ってくれ」と頼み込んで実質的なデビューアルバム製作に取り掛かる。
これは、そのアルバムからのシングルヒット。

ファンタジーといえばエンヤの音楽が思い浮かぶ人は多いはず。
アイルランド民謡だけではなく様々な民族音楽や伝統的なクラシック音楽を融合した独特の音楽は世界中で高い評価を受けている。
多重録音マニアな彼女は曲の製作期間が長いためアルバムの数は多くない。
だが世界的に人気があるために現在では城に住むぐらい裕福らしい。
日本だと天皇・皇后両陛下がファンなのも有名。

Vangelis “ Blade Runner Theme ”
https://www.youtube.com/watch?v=ccJJ0uxigVA



時代性を考慮すると音楽的に新しかったわけではないが電子音楽とＳＦ映画の相性の良さを象徴するような映像。

Vangelis “ Blade Runner End Theme ”
https://www.youtube.com/watch?v=JAwo7DPUFUM



曲としては上のものより、こちらの方が有名。

Vangelis “ Blade Runner Blues ”
https://www.youtube.com/watch?v=RScZrvTebeA



ブレードランナーで最も有名な曲

Scraping Foetus Off The Wheel “ Hole ”
Full Album
https://www.youtube.com/watch?v=4lnWF5q_E4s



アルバム毎に名義が変わっていたりしてイマイチ活動の全貌が解かり難いジム･フィータス。
クラフトワーク等の発明によるクールな電子音楽を凶暴化させた犯人の一人として歴史に名を残すのは間違いない。
基本的に下品なので嫌いな人はひたすら嫌いな音楽。

Foetus Interruptus　“Thaw ”
FULL Album
1988
https://www.youtube.com/watch?v=lY-as2MME90



1980年代の前半からインダストリアル･メタルの先駆けを行なったジム･フィータス。
これは1988年の傑作。
大量の雑音と下品な声を全部聴くのがキツいという人もいるだろうがロックミュージックが電子音楽を吸収していった過程を知りたければアルバム最後の“ A Prayer For My Death ”だけでも聴いてみると良い。

Enya “ Only Time ”
(Official Music Video)
https://www.youtube.com/watch?v=7wfYIMyS_dI



エンヤのキャリアの中でも有名な１曲。
ビデオも美しい。

Hans Zimmer “ Batman - The Dark Knight Theme ”
https://www.youtube.com/watch?v=B4XGvrrz8_Y



クリストファー・ノーラン監督の傑作「ダーク･ナイト」。
音楽的には新しいわけではなく古典的なオーケストラ曲である。

PIG “ Praise the Lard ”
Full Album
(1992)
https://www.youtube.com/watch?v=RjSqY11CjsU



イギリス人、レイモンド・ワッツのソロ･プロジェクト「ＰＩＧ」。
彼はジム･フィータスの弟子筋に当たる人物である。
若く背が高くハンサム(本物のライヴを最前列で見たので間違いない)で激しくもポップである。
また、シンセサイザーによる弦楽器重奏音と声楽表現のオーケストレーションでは師匠を凌いでいる。

このアルバムも電子ストリングスを多用したクラシカルなメロディからブルーズ・ロック・アラビア風音楽まで非常に幅広い表現をしている。
南米系のリズム表現が多いのも他のインダストリアル・バンドと一線を画す個性で、この頃にこんな事をやっているミュージシャンは居なかったはず。

電子音楽の新しい地平を切り開いた人物として記憶されて良い。
明らかにミニストリー系列とは離れた個性的な音楽である。

しかし終始ヴォーカルが師匠譲りのダミ声なのは仕方ないのだろうか？
曲によってはストレートに歌ったほうが良いと思えるのだが・・・

冨田勲 ドーン コーラス
https://m.youtube.com/watch?v=rK7gNeVhKtE

LED ZEPPELIN　“ No Quarter ”
https://www.youtube.com/watch?v=RKOngTfTMs0



ＺＥＰの５枚目のアルバム(ややこしいのでタイトルは省く)から名曲ノー・クウォーター。
このスタジオ・ヴァージョンでは７分程度なのだがライヴだと２０分を越える事が常識化していて場合によっては３０分を越える。

普段はベーシストとして目立たないジョン・ポール・ジョーンズのキーボード･プレイ(特にライヴではピアノソロ)が素晴らしい。

LED ZEPPELIN 　“ Achilles Last Stand ”
(1977)
https://www.youtube.com/watch?v=qnXh8mwdM_E



ＺＥＰのファンタジックな曲というと「天国への階段」が最も有名なのだと思う。
が、ここでは「アキレス最後の戦い」を紹介しておく。

組曲でもないのに10分間を超える曲で現在ではあまり見かけないタイプの音楽である。
敢えてＺＥＰマニアとして言わせて貰うと、初期に比べてヴォーカルの迫力がいまひとつなのはロバート・プラントが交通事故で車椅子に座ったままスタジオ入りしていた為。
個人的にはプラントの体調が完全に回復して前期のような迫力で録音して欲しかったアルバム。

録音時の事情はともかく、この雄大な曲想とファンキーなリズム表現は今聴いても素晴らしい。
恐らくアイアンメイデンのトゥルーパーなどにも影響を与えた名曲である。

PIG “ The Swining ”
(1993)
https://www.youtube.com/watch?v=XpRMaydtunI



ネオアコースティック・バンドのヒット・パレードのベーシストでありながらインダストリアル・メタルのＫＭＦＤＭに参加するという多面的な活動をしていたレイモンド・ワッツのソロ・プロジェクト「ＰＩＧ」。
ミニストリー等それまでのバンド達が電子音楽に対して距離を置いて構えているような姿勢だったのに対して彼のアプローチは非常に肉体的であり、かつポップであった。
基本的には電子楽器を使いながらも、パンク・ヘヴィメタル・クラシック・ジャズ・ラテンダンス等々、このアルバムに込められた音楽性の幅広さは驚くべきもので当時の音楽ファンたちの度肝を抜いた。
メロディアスでポップでありながらも同時に極めて攻撃的であるという彼独特の個性がハッキリと示された、恐らく最高傑作。

Nine Inch Nails “ Pretty Hate Machine ”
(1989)
https://www.youtube.com/watch?v=e4vH5VtViqg



トレント・レズナーのソロ・プロジェクト「ナイン・インチ・ネイルズ」。
このデビュー盤は大したヒットはしていないが結果的にはインダストリアル・メタルがヒットチャートに昇る契機となる。

全体としては重さよりも、一つ一つの楽曲のメロディックな個性が目立つ。
３曲目では自らラップもやっているほど。
同時に、そこかしこに突如として人間性を切り捨てるような冷たい衝撃性があり、
ダンス・ミュージックとしての電子音楽の時代が冷酷に変化したのを感じさせる。

この当時の音楽雑誌では(ロッキンオンだったか)レイモンド・ワッツとの類似性も指摘されていた。
実際にはメロディもアレンジのセンスも全く違っていたのだが・・・・

良くも悪くも1980年代ブリティッシュ・ニューウェイヴの影響が濃いマニアックな音楽をアメリカの大学生のパーティー音楽にまでしてしまった一人ではある。

Cocteau Twins“ Heaven or Las Vegas ”
(2013)
https://www.youtube.com/watch?v=4Jvd6FxqYzE



コクトー・ツインズのファンタジックな名曲。
ラスヴェガスなどという金と欲望と犯罪に塗れた固有名詞を空中浮遊するような美しさで歌えるのはこの人ぐらいではないか？

ＳＦでもファンタジーでもないのだが新年に向けてリラックス出来る音楽を。
３時間に及ぶピアノと流水の音。

3 HOURS Relaxing Music with Water Sounds Meditation
https://www.youtube.com/watch?v=luRkeDCoxZ4

ここで宣伝をひとつ。




モジュレーション
[DVD]
http://www.amazon.co.jp/%E3%A2%E3%B8%E3%A5%E3%AC%E3%BC%E3%B7%E3%A7%E3%B3-DVD-%E3%B1%E3%B3%E3%BB%E3%A4%E3%B7%E3%A4/dp/B00005HS3Z/ref=sr_1_1?s=dvd&ie=UTF8&qid=1451641320&sr=1-1&keywords=%E3%A2%E3%B8%E3%A5%E3%AC%E3%BC%E3%B7%E3%A7%E3%B3

90年代を代表する電子音楽のドキュメンタリー映画。
世界中の70人以上の音楽家・評論家・雑誌記者などに取材して激しいカットアップ映像で見せた作品。

残念なのは上映時間が７０分程度と短か過ぎること。
もう少し音楽をじっくり聞かせて欲しかった。
なので、一度観ただけでは分からない作品。
しかし電子的文明論としても一流の傑作である。

個人的には学校の教室程度の渋谷アップリンク・ファクトリーの映画館で観たのを思い出す。
こういうマイナー作品が簡単に２千円以下で買えるのも現代テクノロジーの恩恵である。

Nine Inch Nails “ The Downward Spiral ”
Full Album
(1994)
https://www.youtube.com/watch?v=IE64h1mRpQ0



アメリカで一大センセイションを巻き起こしたＮＩＮの大傑作アルバム。
メタル・パンク的な暴力性が自分自身に向かう自己破壊性が大きな特徴。

当時の最先端の電子音楽技術を駆使した音の各要素の分離と統合は、
ほとんど薬物中毒のような効果を作り出して世界中でヒットした。

この後は世界中に彼のフォロワーが生まれていく事になる。

Earth, Wind & Fire “　Fantasy ”
https://www.youtube.com/watch?v=O-rzL48_Y5Y



言わずと知れたアース・ウィンド＆ファイアーの名曲「ファンタジー」。
ＳＦ・ＨＲ・ファンタジー板に合うかどうかは知らないが
これほど有名な曲を貼らないのは如何にも妙なので・・・・

ちなみに映像と音は合っていないので明らかに口パクビデオｗｗｗ
この時代では普通だったので虐めないで下さい。

Nine Inch Nails " Further Down The Spiral ”
https://www.youtube.com/watch?v=ty46aCtR92o



これは" The Downward Spiral "のＲＥＭＩＸ版である。
なぜ、こういう企画物を紹介するかというと電子音楽の本質である「可能的な無数の変化」「赤の他人による電源自在なあり方」を知って欲しかったからである。
これは、当時の最先端のリミックス・アルバムであり、その「他者による」冷徹な音世界は現在でも全く色褪せていない。

もう一度書いておくがＮＩＮはトレント・レズナーという男によるたった一人の音楽である。

Enya - Greatest Hits


https://www.youtube.com/watch?v=1b8n1JETCH8&list=PLA3AB8D94B742A353



１時間に及ぶエンヤのベスト・アルバム。
ひたすら美しいファンタジー世界。

支援
見てるので頑張って続けてください～
僕はプロディジーとかアンダーワールド好きです

underworld “ dubnobasswithmyheadman ”
(1994)
https://www.youtube.com/watch?v=5KsUzH9x6M4&list=PLE7TPCzQcrc6FwWfmZgz06Bd_Mo1r7_HJ&index=2



リクエストがあったので紹介する。
今までの電子音楽の話題としては傾向が違うかもしれないがイギリスのテクノの重要バンド。

全て電子楽器だけで作られているにも関わらずロック的な反逆性を感じさせる独特の音楽性。
ミニストリー・フィータス・ＮＩＮなどとは全く違うところからやってきた異端的なダンス・ミュージックである。
これは94年に発表された１stアルバム「ダヴ・ノー・ベイス・ウィズ・マイ・ヘッドマン」。
日本人からすると妙な具合に日本語が挿入されるのも特徴。
バンドの変遷が非常に複雑だった為か、いろいろな音楽性を内包しており、ここから電子舞踏音楽に数々の革命を起こしていく事になる。

Underworld “ Beaucoup Fish ”
Full Album
(1999)
https://www.youtube.com/watch?v=2P_YcJq1EWg



曲構造の過激さと、ひたすら美しい電子音とが溶け合った傑作アルバム。
ドライヴ・ミュージックとしては最高。
ただ生の声が少ないのはロック的には物足りないかもしれない。
インダストリアルとは全く違う形の電子ロック・ミュージックの理想である。

The Prodigy “ voodoo people (original) ”
https://www.youtube.com/watch?v=-Fz85FE0KtQ



The Prodigy “ Voodoo People (Pendulum Remix) ”
https://www.youtube.com/watch?v=XQEBzauVIlA



イギリス人のダンス・ミュージック感を完全に塗り変えてしまったプロディジーの名曲「ヴードゥー・ピープル」を全くの別ヴァージョンで２曲。
ヴィデオも秀逸。
恐らく、これ以前と、これ以降ではイギリスのテクノ音楽は全く違う傾向に変わったはず。
フロアでは早すぎてあまり流行らなかったようなのだが、ライヴでは盛り上がっただろと想像する。

俺の敬愛するデヴィッド・ボウイ氏が死去された。
記事は以下の通り。
・・・・・・・・・・・・・

Ｄ・ボウイ氏　がんで死去　69歳の誕生日迎えたばかり　
「戦メリ」で日本でも人気
http://news.yahoo.co.jp/pickup/6187173

英国のロックミュージシャンで俳優のデビッド・ボウイ氏が亡くなったことが１０日、分かった。
公式ツイッターが伝えた。
英国からの報道によると、がんだったという。
８日に６９歳の誕生日を迎えたばかりだった。
１年半闘病生活を続け、家族に見守られながら亡くなったという。
１９４７年、ロンドン生まれ。本名はデビッド・ロバート・ジョーンズ。
６４年にファーストシングルを発表もしばらく無名だったが、６９年に「スペイス・オディティ」が全英チャートでトップ１０に入り、人気ミュージシャンとなった。
その後も「レッツ・ダンス」などのヒット曲を発表した。
歌舞伎に興味を持つなど、日本との関係も深く、８３年には大島渚監督の「戦場のメリークリスマス」に英国軍人役で出演。ビートたけしらと共演し、人気を博した。
独特の美学を追究する「グラムロック」の旗手として、後世のアーティストに多大な影響を与え、００年には、英国の音楽雑誌で「２０世紀で最も影響のあるアーティスト」に選ばれた。
０３年に心臓疾患で一時活動を控えていたが、１３年に新曲を発表。
ロンドンの美術館では回顧展が開かれるなど、人気が再燃しそうな矢先だった。

では、曲は1982～83年のヒット曲を。

David Bowie “ Let's Dance ”
https://www.youtube.com/watch?v=N4d7Wp9kKjA



これはオーストラリアの原住民アボリジニとイギリスからの侵略者である白人を対比したヴィデオである。
嫌なら見なくても良い。
曲は古典的なアメリカ的なブギである。

David Bowie “ Blue Jean ”
https://www.youtube.com/watch?v=LTYvjrM6djo



これも典型的なアメリカン・ブギー・ナンバー。
「ステージ上のカッコイイシンガー」と
「カウンターのモテないオタク野郎」は同じ人物、
デヴィッド・ボウイ自身の二役である。

ダンスも演出も素晴らしい音楽ヴィデオの傑作。

David Bowie 〝 I'm Afraid of Americans　”
https://www.youtube.com/watch?time_continue=79&v=gPVrFIP0CMs



2001年9月11日テロ以降に世界中の人々がアメリカ合衆国に感じていた違和感と恐怖を表したヴィデオ。
サウンド面ではＮＩＮが協力。
またヴィデオでは、そのトレント・レズナー本人がＤ.ボウイを襲う！！
60歳のボウイが「犯罪大国アメリカ」「宗教国家アメリカ」の異様さを見事に表現した傑作。

David Bowie “ Day-In Day-Out ”
https://www.youtube.com/watch?v=zl9BLmwFi0U



天才ボウイが現代アメリカ社会の狂気を描いた「デイ・イン・デイ・アウト」。
見れば分かるが、正にアメリカ。

ちょっとボウイに熱中しすぎた。
ファンタジー系の音楽を探してくるわ。

Holland's Got Talent - Amira (9) sings opera
“ O Mio Babbino Caro”
Full version
https://www.youtube.com/watch?v=UEMR3A4WLC8



いつもと傾向の違う紹介になるが
これを初めて聴いたオランダ人たちが狂喜しているのが解かる。
実際、白人文化の誇りだろうね。
日本だったら小学生の美少女が完璧な民謡を歌ってしまった感じだろうか？

イギリスで始まった「ゴット・タレント」シリーズはキャラが面白いんだが
個人的には、あまりＳＦにもファンタジーにも関係がないのが物足りない
観客の女性たちにとってポップであることが最強って番組だから仕方ないんだろうがね・・・・・

Janet Devlin's audition
The X Factor 2011
(Full Version)
https://www.youtube.com/watch?v=f4EE4bIFixQ



これはエルトン・ジョンに憧れた16歳の少女の歌唱。
曲自体がファンタジックなわけじゃないが
彼女の存在感はファンタジーそのもの。

The Prodigy “ Omen ”
(Official Video)
https://www.youtube.com/watch?v=xMVTKOoy1uk



プロディジーによるホラーめいた派手なダンス曲・
さすがに35歳も過ぎると、この手の激しいリズムには付いていけなくなる。

Einsturzende Neubauten “ Zeichnungen des Patienten O. T ”
Full Album
(1983)
https://www.youtube.com/watch?v=jbwSQqtscD0



ノイズの話があったのでエレクトリック・ノイズ音楽の代表的な名作を１枚。
これは彼等の２枚目のアルバム。
ドイツ語なので読み方は解らないのだが日本では「患者Ｏ.Ｔ.の記録」のようなタイトルだったと思う。

デビューアルバムでは３人だったメンバーが、ここでは６人に増え楽器の種類も多くなっている。
印象的なのはシンセサイザーによる正確なリズムが基調を為しているにも関わらず音楽性は前作と大差ない程に混沌としていること。
楽器音の１種類１種類が刺激的なので、これを聞いて快感を覚えるという人は稀。
アルバム全体を貫く怒りと緊張感はソ連崩壊前のベルリンの若者たちの正直な心情なのであろう。

Origa ＆ 菅野よう子 “ rise ”
攻殻機動隊 SAC GIG 2nd OP
https://www.youtube.com/watch?v=Wy3oWFVePdA



日本ＳＦアニメ史上でも屈指の名曲を数々送り出した菅野よう子作曲の攻殻機動隊ＯＰ。
菅野よう子については作曲・編曲ともに盗作が多いことが指摘されているが、アクションＳＦ映像との兼ね合いは非常に良い。

原作マンガの士郎正宗の思想はアニメ畑の人達には複雑すぎたようでアニメの内容はせいぜいが刑事ドラマ程度になってしまっているのが残念。
まあ、いろいろ言いたい事はあるのだが、
この曲は故オリガによる素晴らしい歌唱が聴ける。

Merzbow “ Merzbeat ”
Full Album
https://www.youtube.com/watch?v=rSCkOEGkZFU



解説は wikipedia より。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E7%A7%8B%E7%B0%E6%8C%E7%BE%8E
秋田 昌美（あきた まさみ、1956年12月19日 - ）は、日本のノイズミュージシャン、文筆家。
1979年からMerzbow（メルツバウ）名義で音楽活動を続けている。
「Merzbow」という名前はドイツ人芸術家のクルト・シュヴィッタースによる建築作品である"Merzbau"というドイツ語から来ている。
これはダダイスムやジャンクアートに多大な影響を受けたという秋田本人の趣向を反映したものである。
灰野敬二、非常階段らとともに、日本のノイズ・ミュージック・シーン（ジャパノイズ）の草分けといえる存在である。

岩崎琢　” READ OR DIE ”
https://www.youtube.com/watch?v=f8lyyT0dQ9Y



倉田英之のラノベのアニメ(ＯＶＡ)ＯＰ。
超能力アクション描写に流れる1970年代風のインストゥルメンタル曲がクール。
関連作品(小説・マンガ・アニメ)が多いので詳しくはwikipediaを参照。

R.O.D.
READ OR DIE YOMIKO READMAN "THE PAPER"
https://ja.wikipedia.org/wiki/R.O.D_READ_OR_DIE_YOMIKO_READMAN_%22THE_PAPER%22

妖精帝國　“空想メソロギヰ”
未来日記 op 　
https://www.youtube.com/watch?v=xO6mKk6IzMI


アニメのＯＰ。
映像はホラー色が強い。

妖精帝國
https://ja.wikipedia.org/wiki/%E5%A6%E7%B2%BE%E5%B8%9D%E5%9C%8B

Nothing's Carved In Stone　“ Out of Control ”
Psycho Pass OP2
https://www.youtube.com/watch?v=wkJTsR-KhrM



基本設定がマイノリティ･リポートに良く似たアニメのＯＰ。
演奏は「ナッシングス・カ－ヴド・イン・ストーン」という長い名前のバンド。
非常に才能のあるギタリストが作曲・編曲をやっているのでＳＦやファンタジーとは無関係にお奨め。

やつらの足音のバラード
https://m.youtube.com/watch?v=C9jBT93zq7A

Aphex Twin “ Selected Ambient Works 85-92 ”
https://www.youtube.com/watch?v=Xw5AiRVqfqk



R.D.ジェイムズのソロ･プロジェクト。
これは10代～20代始め頃に作られた曲を集めたものでＣＤだと２枚組みだった。
美しいシンセサイザーのリフレインが穏やかな眠りを誘うアンビエント･テクノの傑作。
残念な事にyoutubeでは最後の曲に音跳びがあるようで完璧ではない。


https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%A8%E3%A4%E3%95%E3%A7%E3%83%E3%AF%E3%B9%E3%BB%E3%84%E3%A4%E3%B3
エイフェックス・ツイン(Aphex Twin)、本名リチャード・D・ジェームス（Richard David James、1971年8月18日 - ）はイギリスのミュージシャン、音楽家、作曲家、DJである。
その作曲ジャンルは多岐にわたり、テクノ、アンビエント、エレクトロニカ、ドラムンベース、アシッド・ハウスと多彩である。
同時に複数のアーティスト名義を使うことでも知られる。
作品は極端に異彩を放ちながらも美しく纏まっており、世界的に天才と呼ばれている。

恍惚と
https://m.youtube.com/watch?v=_Uux7at6gUY

The Pop Group “ Y ”
Full Album
(1979)
https://www.youtube.com/watch?v=viqOIqGLLgI



ザ・ポップグループのデビューアルバム。
本来のアルバム１曲目は３分２２秒から始まる "Thief Of Fire"なので注意。

1977年前後に大量発生したロンドンパンク・バンドたちは３コードの単純なロックンロールで自己主張をしていた。
それらのバンドのほとんどはシングル数枚を発表した後で消えていった。

が、単なるロックンロール・バンドであること自体に音楽的な反逆をした人々が出てくる。
そういった人々(ほとんどは２０代の若者たち)の中でも特に音楽的な自由を実現させたのがポップグループだった。
即興的ヴォーカルの自由さ・変拍子の多用・ロマンティックなピアノバラッド・曲の構造解体と再構築などなど、
メンバーのほとんどが10代の少年たちで構成されているバンドとは思えないほど音楽的に新しく面白い。

シンセサイザーを使っていないのでサイバー的な要素は無いが存在そのものがパンクＳＦ。
タイトルの“ Ｙ ”とはアルファベットの最後から２番目を意味しているようだ。
そのため日本盤は「最後の警告」と題された。

個人的にはノリノリに壊れていく５曲目の "We Are Time" (14分15秒目)が好み。

Rush “ ＲＵＳＨ ”
Full Album
（1974）
https://www.youtube.com/watch?v=xZNS0wUDSLs



カナダの３人組Ｒｕｓｈのデビューアルバム。
当時は大量にいたＺＥＰのフォロワーの一つという感じで、
オリジナリティは高くなく、あまりファンタジー性も感じさせない。
だが、いま聴いても十分に70年代ロックバンドの重さを堪能できる佳作ではある。

このドラム・ベース・ギターの３人組が本格的にＳＦ思想に向かうのはもっと後のことである。

菅野よう子 / The Seatbelts　“ Tank! ”
Cowboy Bebop OP
https://www.youtube.com/watch?v=Aw3fN3OPk3A



アメリカの田舎を思わせる舞台とジャズ～民族音楽までの幅広い挿入曲で有名な「カウボーイ・ビバップ」。
やはり最も印象的なのは「タンク！」だろう。

野口茜 / Paradise Lunch “ Gun's&Roses ”
Baccano Opening
https://www.youtube.com/watch?v=--tfb6Cv7eY



これも上と同じくジャズが主題歌のアニメ。
ただしＳＦというよりはファンタジー。
長期間に亘る大河ドラマだが時代順はシャッフルされているようで全体像は簡単には解からない。

Kalafina "Hikari no Senritsu"
Sora no Woto (ソ・ラ・ノ・ヲ・ト) OP
https://www.youtube.com/watch?v=15K83M7jyRM



上記２作とは意味合が大きく違うファンタジーアニメのＯＰ。
動画も美しい。

Earth, Wind & Fire “ Boogie Wonderland ”
https://www.youtube.com/watch?v=god7hAPv8f0



考えれば考えるほど黒人的ファンタジー空間だったＥ.Ｗ＆Ｆのライヴ空間。

Earth, Wind & Fire “ Let's Groove ”
(1981)
https://www.youtube.com/watch?v=Lrle0x_DHBM



Ｍ.ホワイトは先見性があり電子楽器の取り入れ方も見事であった。
アフリカ・バンバータ以降の黒人的な電子的ダンス音楽のヒットのパターンの一つとなった。

「テクノ」というのは日本の音楽雑誌上で発生してＹＭＯなどによって広まった言葉なのだが
80年代半ば～90年代半ば頃まで日本では「使えない言葉」になっていた。
そのために現在では「テクノ」とは専らシンセサイザーとＰＣを使ったダンスミュージックを指すようになっている。
この曲などは、そういう変遷の一つである。

【艦これ】アニメ-op
https://www.youtube.com/watch?v=rgWnIlJMGe4



ゲームの方は知らないのだがアニメのＯＰがカッコイイ

続いて高橋ユキヒロによるＹＭＯの代表曲。

YMO“ Rydeen ”
https://www.youtube.com/watch?v=MFu66ye6YWM

細野晴臣には過去の様々な民族音楽を取り入れながら独自のリズムとメロディーを「ポップに」追及するという目標があった。
それを電子音楽で表現するという方法論はクラフトヴェルクからの直接的でバカ正直な影響である。

その目標はヴァンゲリスや喜多郎のような宇宙的広がりの表現のための電子音楽とは全く異なっていた。
そのためデビューアルバムでは面白がって当時のチープなコンピュータ・ゲームの電子音などを取り入れていたりした。

これはデビューアルバム中の代表作。

Yellow Magic Orchestra “ Tong Poo ”
(1978)
https://www.youtube.com/watch?v=2T7TXVtGGFc

曲の紹介順が前後してしまったが細野晴臣による「全体主義性」を抜きにしてＹＭＯを語るのは無理がある。

２ndアルバムでは坂本と高橋という二人の優れたメロディメイカーの曲を
細野がナチス張りの全体主義的なコンセプト・アルバムとして纏め上げた事により大ヒットとなった。
ライヴでも観客全員が同じポージングで身体を動かしていた(ダンス？)という事も有ったらしい。

「ダンス」に疑問符をつけなければならないのは、それが全く楽しそうではないからである。

ＹＭＯの２ndアルバム「Solid State Survivor」は特に小中学生たちが熱中して大ヒットし始めた。
これは、それまでの日本音楽史上でも例のないことであった。
それまでは小中学生には学校の音楽の授業で教えている分かり易い歌(童謡・民謡)が必要だと考えられていた。
ＹＭＯのインストゥルメンタル曲が小中学生たちに熱狂的に好まれるなどとは当時の大人たちには理解出来ないことだったのである。

Yellow Magic Orchestra “ Solid State Survivor ”
(1979)
https://www.youtube.com/watch?v=loi-4jOpAaY

当時の小中学生にとって学校は無理にでも行かなければならない場所だった。
「登校拒否」などという言葉も聞いた事のある者は少なかったはずである。

特に嫌われていたのは校庭に立ち尽くして校長や教頭先生の話を聞き続ける朝礼等の習慣(何人もが貧血で倒れていた)や
全く無意味に思える体育の授業での整列の訓練などである。

それでも子供たちは「何らかの解釈」で学校生活に順応する。
仕方がないから大人のいう事を聞く「順応」と、
嘘を吐いて適当にやる「サボタージュ(反抗)」をやっているうちに
段々と日本の子供たちは奇形的な精神を内包するようになる。
「理不尽な事でも『みんな』でやっていると何故か楽しくなってくる」という一種の変態的な快楽である。


これは学校教育の変態性を表した日本ならではの１曲。

YMO ”体操 ”
https://www.youtube.com/watch?v=gmnw6mrNGaY&list=PLdSYWhfMihCdtE6iPj7NoBcY7_XYxer91&index=21

「体操」はＹＭＯのファンの間でもウケが悪かったと記憶している。

「テクノデリック」(1982)という構成力の高いトータル・アルバムの中では完全に浮いている。
曲もビデオもダサく、気持悪い。

困った事に、その気持悪さは非常に黄色人種的なものであり、
また日本国独特の学校教育に対する皮肉であったからだ。
なぜＹＭＯはこんな曲をシングルカットしてキモいビデオを作らなければ為らなかったのだろうか？

私はその疑問はシングル・ビデオ「体操」から四半世紀近くも経ってから漸く決着したと見ている。

太郎「男女」
(2006)
https://www.youtube.com/watch?v=3OlJGa5Comc

日本の教育現場では、ある生徒が「集団行動」を出来るか出来ないかが重要だとされる。
個性の強い者は学校では悪目立ちしやすく教師からも同級生からも嫌われる。
ところが日本人は案外と、そういう状況に順応している。
順応するだけではなく誇りを持って周りに合わせる。
また、そういう人たちは同じ日本人から賞賛もされる。

下は有名なビデオである。

Amazing Japanese Precision
(2009年9月)
https://www.youtube.com/watch?v=4p0DsVPkyZg

初めてクラフトヴェルクを聞いた細野晴臣は「日本人じゃ絶対にヨーロッパ人には勝てない」と痛感したという。
既に解説したとおり西欧の電子音楽は数百年(あるいは古代ギリシャ時代から)続いてきた伝統の中から必然的に生まれてきた音楽性である。
技術的に「電子楽器を作れるだけ」の非白人には音楽性まで越えられるわけはない、と思うのは自然な事であった。

その時に細野たちＹＭＯは、何故か自分たち自身の日本人性の追求ではなく「欧米人から見たアジア人」を演じる事にしてしまったのである！！

彼らは自らのアジア人性を日本古来の伝統音楽ではなく「中国人民服」や「軍国政府の韓国」に求めた。

Yellow Magic Orchestra 「京城音楽“ Seoul Music ”」
(1981)
https://www.youtube.com/watch?v=UuXwkFlSe9w



この曲の英語の歌詞と日本語のナレーションは韓国のソウルの情景描写である。

これは彼等のデビュー曲。

P-MODEL「美術館で会った人だろ」
ART MANIA　(1979)
https://www.youtube.com/watch?v=d6lyxXJtWDE

日本人的な集団行動に見える個々の誤解や間違いを痙攣的に、
またユーモアをもって表現した太郎の「男女」は、やはり傑作である。

Tarou - "Danjo" - subbed ver.
(2008年2月)
https://www.youtube.com/watch?v=C5bA7IlbHac




こちらはイギリス人少女のソロ・ヴァージョン。

Beckii Cruel “ DANJO ”
ベッキー・クルーエル
(2009年11月)
https://www.youtube.com/watch?v=H5UnSiux5LY

このスレッドは大変にすばらしい｡

YMOのTAISOに関しては、教授の新宿高校時代における経験が反映されているとか何とか。
学生運動華やかなりし頃合いだったとか。

始めからプロフェッショナルな音楽家の集合であったＹＭＯはデビュー・アルバムで実験的にゲーム音楽と中国的メロディーの融合を行なった。

それから電子音楽でなければ出来ない非人間性をポップに表現して世界的な高評価を受ける。
しかしながらＹＭＯのコンセプトはクラフトヴェルクに酷似したもので、それはファッションにまで及んでいた。

クラフトヴェルク



ＹＭＯ

全盛期のＹＭＯは欧米でもライヴツアーをやっていた。
その当時の欧米人たちにＹＭＯが持っている共産主義かナチズムそっくりの全体主義性は感じられたのだろうか？
恐らく感じ取れたはずだ。
欧米の白人や黒人の音楽に対する感覚は歌謡曲しか知らない日本人の比ではない程に優れている。

これは俺の個人的な予測に過ぎないが、たぶん欧米人たちは
「全員が同じ人民服を着た『全体主義国家ジャパン』から来たクラフトワークのコピーバンド」
というような受け取り方だったのではないか？

ＹＭＯは意図的に中国共産党員か軍事政権下の朝鮮人のような演技をして欧米のウケを狙った。
それが音楽的な完成度の高さで結実したのが「テクノデリック」なのだと思う。


Yellow Magic Orchestra　“Technodelic”
https://www.youtube.com/watch?v=STPpnnfJ-GM&list=PLmMmr1jpPlKPQ-uGqSAN9bfv04HxvI5Dl

ＹＭＯの「ウケ狙い」。
それは、どんなバンドでも持っている自分たちのカリスマ的な魅力の演出だったし、軽薄さでもあった。

例えばビートルズ等が持っていた冗談っぽさ、と言い換えても良い。
我々は、ついビートルズが「サージャント・ペパーズ～～」のジャケット写真のような派手な服装で活動しているような錯覚に陥る。
実際には普段は動きやすいＴシャツとジーンズで生活していて
ステージに上がっている時か写真を撮っている時にだけ凝ったファッションをしているというのに。

ＹＭＯの場合はクラフトワークの音楽的な革新性と世界的な成功に対するコンプレックスがあった。
そこでウケ狙いのゲーム音楽や中国人民服などで音楽以外の演出を謀ったのである。
そして、それは「人気・売り上げ」という形で大成功したといえる。


ただ、ある一時期のＹＭＯはそういった余分な飾りの全てを捨てて、
ただ純粋にリズムとメロディの才能を電子音楽に賭けた。
それが最高傑作アルバム「ＢＧＭ」である。


Yellow Magic Orchestra “ ＢＧＭ ”
(1981)
https://www.youtube.com/watch?v=I-Sqr7ZDIns&list=PLmMmr1jpPlKPX6LLcb2EGaROgZeP3I6hj

80's ～ 90's House Music

Armand Van Helden “ FLOWERZ ”
Strafe “ Set It Off ”
EARTH PEOPLE “ DANCE ”
Hot Music “ Soho ”　他。
https://www.youtube.com/watch?v=HesSn53wEzw&list=PLAB2C1E866198EA2E&index=2



奴隷制の時代からアメリカ黒人ダンス音楽は決して途切れずに形を変えて続いてきた。
踊るためにはリズムの正確さが重要である。
1970年代後期のディスコ・ムーブメントの頃に一般的にも手に入るようになった電子ドラムが採用されるのは自然な流れであった。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%8F%E3%A6%E3%B9_%E9%9F%B3%E6%A5%BD%29
ハウス・ミュージック（House music）は、1977年にアメリカ合衆国シカゴで誕生した音楽ジャンルの一つ。
単にハウスと呼ばれることが多い。
R&B（フィリー・ソウル）の影響が強い音楽であり、店舗名を名称由来とし、その特徴から性差別をテーマにする音楽を発祥としている。

The 30 Greatest New Jack Swing Songs
(1987-1993)
https://www.youtube.com/watch?v=aaFPFqJ6QBw



個人的に「黒人の電子音楽」として印象深いのは「ニュー・ジャック・スウィング」。
ハウスがディスコ・ソウル・ミュージックから自然に発展した物であるのに対してニュー・ジャック・スウィングには電子音楽特有の非人間性がある。
そこに、付いて行けないという人は多いと思う。
まずは30曲をツマミ食いした聴きやすいメドレー・ビデオで。

“ New Jack Swing ”　
Mix by DJ All Out
(2010)
https://www.youtube.com/watch?v=OlEBpi4PwqU



これは80～90年代のニュージャックスウィング(以下ＮＪＳと略す)の数々を21世紀の機材でＲＥＭＩＸしたもの。
一説によるとＮＪＳは天才テディ・ライリーが黒人の肉体的リズム感を正確な電子音に置き換えたものだという。
その為に黒人以外の人には違和感や拒否反応があるかもしれない。
実際、このビデオは１時間を超えているので聴き切れないという人は多いと思う。
ＮＪＳの誕生と衰退に関しては次に wikipedia から引用する。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%8B%E3%A5%E3%BC%E3%B8%E3%A3%E3%83%E3%AF%E3%B9%E3%A6%E3%A3%E3%B3%E3%B0
ニュージャックスウィング（New jack swing, NJS)とは、ミュージシャン／アーティスト兼音楽プロデューサーであるテディー・ライリーが中心となって1980年代後半に発生・流行した音楽スタイル。

黒人音楽の世界では、1970年代までのソウル、ファンク、そしてそれらから派生した70年代後半のディスコブームが1980年代初頭に一段落していた。
80年代前半には、リック・ジェイムスやキャメオらが新しいスタイルを模索しヒットを出していた。
一方、ストリートでは79年に生まれたラップ・ヒップホップが台頭し、徐々に勢力を広めつつあった。

こうした中、新進のプロデューサーであったテディー・ライリーは80年代後半に、
ファンクにヒップホップ的手法を組み合わせ、そこにソウルやゴスペル的メロディー・ハーモニーのセンスを加味することによって新たなスタイルを構築した。

そしてテディーは満を持して自らのグループであるガイを結成。
88年のファーストアルバムを通じて、先進的スタイルの完成形を披露。
さらに、同時期にプロデュースしたボビー・ブラウンの「My Prerogative」が大ヒット。
これによって、テディーの創造した新しいスタイルは広く認知され、大量の追随や模倣を生み出しながら一大流行となっていった。

テディーはこのスタイルを“ニュージャックスウィング”と提唱した。
この呼称自体は、ジャーナリストのバリー・マイケル・クーパーによって名づけられたと言われる。
またワシントンDCのゴーゴーに対して、ニューヨーク・ゴーゴーという呼び方をされる場合もあった。

ブラックミュージック特有の重いグルーヴ感を保持したまま、同時に軽快なスピード感と親しみやすいメロディーをアピールするこのスタイルは、若者を中心に高い人気を集めた。
曲の中でヒップホップ的手法が印象的に使用され、特にラップを歌ものに積極的に取り入れる形は、ニュージャックスウィングの流行を通じて定着したと言っても過言ではない。
また、ヒット曲と共にヒップホップ由来の独特なダンスやファッション、ストリート・カルチャーがミュージックビデオなどを通じて発信され、それもまた人種を問わず熱烈に支持された。
こうした人気の高まりが世界的に波及していき、ニュージャックスウィングはR&Bジャンルに留まらずポップミュージック界全体を震撼させていく。

(中略)

このムーブメントが、それまではR&Bチャートとはほとんど分断されていたアメリカのポップチャートにおいて、R&Bやヒップホップのアーティストが上位にランクインしてくるのが当たり前、という今日のボーダーレスな状況を生み出す原動力ともなった。
1991年に“キング・オブ・ポップ”マイケル・ジャクソンがテディーのプロデュースの下、アルバム『デンジャラス』をリリースし大ヒットさせたことで、この流れは決定的なものとなる。

ニュージャックスウィングは、日本でもアメリカの流行を追う形で、1990年代初期に流行した。

流行の最盛期には、白人ミュージシャンまでがニュージャックスウィングのスタイルに沿った楽曲を発表するほどであったが、
あまりの濫造のために市場から飽きられるのも早く、1990年代半ばには流行も過ぎ去り、提唱者のテディー自身もこのスタイルを踏襲しなくなっていった。
しかし一方で、ダンスフロアなどでの支持には根強いものがあり、
2000年代に入ってからは、ブリトニー・スピアーズが「My Prerogative」のカバーを発表するなど、再評価の動きも見られる。

ＧＯＢＬＩＮ“ Best tracks ”
https://www.youtube.com/watch?v=zQejiArD608


１時間半にも及ぶ重厚で美しいユーロピアン・ホラーの世界観。
恐らく現在のファンタジーゲーム等にも大きな影響を与えているのではないか？


http://www.h4.dion.ne.jp/~sonoro/goblin_guide.html
ゴブリン/シモネッティ、ＣＤガイド　(記事抜粋)

《主に作曲を担当したクラウディオ・シモネッティの功績大と思うのですが、
彼はサンタ・チェチリア音楽院でピアノと作曲を専攻した英才でありました。
そう、モリコーネの後輩にあたるわけです。
度重なるメンバー交代も災いし、ゴブリンは映画以外の世界で代表作といえる作品を残せませんでした。
しかしロック・バンドがサントラの一部を担当して話題になることはよくありますが、
全スコアを作曲・演奏してプログレやユーロ・ロックといったジャンルでサントラ・ファン以外から刮目されたのはゴブリンだけだったでしょう。
彼らは映画のために生まれ、映画に育てられた稀有なバンドだったのです。》

ＧＯＢＬＩＮ　“Dawn of the Dead ”
(1978)
https://www.youtube.com/watch?v=ExLyoiifdcU



https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%BE%E3%B3%E3%93_%E6%A0%E7%BB%29
『ゾンビ』（原題: Dawn of the Dead, 国際題: Zombie）は、
1978年9月にイタリアで公開されたジョージ・A・ロメロ監督のホラー映画。
日本では1979年3月に公開された。
数多くのホラー作品を手掛けている映画監督のダリオ・アルジェントが
音響効果、ヨーロッパ公開版の監修及び一部プロデュースを担当して制作費を集め、ヨーロッパでの配給権を得た。
当時、無名だったロメロは、本作で一躍有名監督となった。

ＫＭＦＤＭ　
“ Amnesia ”
“ A Drug Against War ??”
“ Bohemia Afterdark ”
“ I Heart Not ”　　　　他。

https://www.youtube.com/watch?v=kfH_jBNPRyU&list=RDkfH_jBNPRyU#t=260



メタリックでダンサブルなテクノという意味では完成度が高いがリズムがやや単調なＫＭＦＤＭ。
ライヴで盛り上がるハイ･スピードなロックナンバーもあるが全体としてはダンスフロア向きの曲を大量生産してきたと言える。
しかし、その為に他の多くのインダストリアル系バンドと違ってクラブ・ダンス･ミュージックとして長く活動出来てきたのだろう。
ダンス音楽では複雑な曲展開は嫌われるからだ。

それにしても歌詞でバンド名の連呼をする癖はいい加減にして欲しいと思っているのは俺だけではあるまい。

The Corrs “ MTV Unplugged ”
full concert
(1999)
https://www.youtube.com/watch?v=Jy3wCqIBjjw



数々の名演を放送してきたＭＴＶの「アンプラグド・ライヴ」シリーズ。
これはテクノの対極を目指したライヴ番組で、マイクやアンプ等の装置以外は電気楽器・電子楽器を一切使わない。
ニルヴァーナ、エリック・クラプトンなどの名演は有名でアルバムも大ヒットした。

これは1999年に行なわれたアイルランドの兄妹４人組バンド The Corrs の素晴らしいライヴ。
エンヤの成功以降、神秘的でファンタジックなアイルランド民謡を土台にした音楽は世界的に注目されてきたが、コアーズは特にポップな成功を収めてきたといって良い。

美男美女の集団だがアイルランド色が非常に強かった為にデビュー当時のイギリスではイロモノ扱いされる事もあったという。
アルバムを数枚聴くと、このバンドのアイルランドらしさの源泉が長女シャロン・コアーのヴァイオリンであることが解かる。

Bruno Nicolai ?“ Il Conte Dracula ”
(1970)
https://www.youtube.com/watch?v=qpItgFlTwo0



往年のホラー映画のサウンドトラック。
「リング」とか読みながら聞いていると盛り上がります。

ZZ Top “ Legs ”
https://www.youtube.com/watch?v=eUDcTLaWJuo



ZZ Top “ Sharp Dressed Man ”
https://www.youtube.com/watch?v=7wRHBLwpASw



テキサスのＺＺトップは1960年代の後期から活動しており、
ジミ・ヘンドリックスとも交友があった程の古いブルーズ・バンドである。
リーダー格のビリー・ギボンズはジミー・ペイジなどと同じように新しい音質を追求するタイプのギタリストで1980年代初期にはシンセサイザーを取り入れるようになった。
伝統を重んじる南部では掟破りな姿勢だったが結果は大成功。
80年代に最も高く評価されたロックバンドの一つとなった。
上の２曲はアルバム“ＥＬＩＭＩＮＡＴＯＲ”からのシングルヒット。

ZZ TOP “ Afterburner ”
Full Album
(1985)
https://www.youtube.com/watch?v=OFgl0z1Hr28



ＺＺトップの電子化ブルーズ・ロック最高傑作。
１曲目のギターソロのキリキリしたノイジーな質感からバンドの冒険心が伝わってくる。
アメリカ南部のカントリー＆ウェスタンとブルーズ･ロックを基調としながらも
当時最新の機材を駆使したギターサウンドと多様なリズムで飽きが来ないアルバム。

ちなみに、今はどうだか知らないがギターのビリー・ギボンズとベースのダスティ・ヒルの髭は４５ｃｍに切り揃えてあったそうだ。
食事はどうしてたのか気になる。

Tycho “ Dive ”
Full Album
(2011)
https://www.youtube.com/watch?v=Z6ih1aKeETk



サンフランシスコのスコット・ハンセンによるソロ･プロジェクト「タイコ」。
エイフェックス・ツインによく似ているアンビエント・サウンド。

Tycho “ Awake ”
Full Album
(2014)
https://www.youtube.com/watch?v=qEI1_oGPQr0



タイコはソロでアルバムを４～５枚出しているが、
ここに来てザック・ブラウン(ベース)、ロリー・オコナー(ドラマー)が加入した３ピースバンド編成になった。
アンビエント・ミュージックといってもリチャード・ジェイムズとは全く違ったバンドならではの肉体的な躍動感があって興味深い。

King Crimson “ In the Wake of Poseidon ”
(1970)
https://www.youtube.com/watch?v=5Jkv_mrxW3g&list=PLSQN7Zv9j6HkRY1L6_GSuce7wkIkCYIWb



デビューアルバム「クリムゾンキングの宮殿」が非常に有名。
これは２ndアルバム「ポセイドンの目覚め」の表題曲。
以前にも書いたが、この時代のプログレバンドの大半は何らかのファンタジー世界を表現するものだった。
ヴォーカルはＥＬ＆Ｐのグレッグ・レイク。

Porcupine Tree
“ Arriving somewhere but not here ”
“ Lazarus ”
“ Anesthetize ” 他。
https://www.youtube.com/watch?v=WbWhpfXisZw&index=2&list=PL4E1flaRT0vxvM953EMprbM052OzHjKDF



キング・クリムゾンの影響の濃い現代的なプログレバンド「ポーキュパイン・トゥリー」。
リーダーのスティーヴン・ウィルソンは実際にキング・クリムゾンのアルバムのデジタル・リマスタリング等を行なっているレコーディング・プロデューサーでもある。
そのためか,60～90年代に掛けての様々なジャンルの音楽の融合であるにもかかわらず総体としての音像が非常にクリアで美しい。

King Crimson “ Epitaph ”
(1969)
https://www.youtube.com/watch?v=gd5aSc5V5ZQ



「混沌こそ我が墓碑銘」というデビューアルバムの有名曲。
様々なミュージシャンがカヴァーしているからオリジナルは知っておいて損は無い。

Steven Wilson “ Drive Home ”
(2013)
https://www.youtube.com/watch?v=ycYewhiaVBk



ポーキュパイン・トゥリーのリーダー、スティーヴン・ウィルソンのソロ３作目に収録のバラッド。
動画映像は悲痛なアニメなので落ち込んでる時は見ない方が良い。

Rush“ Moving Pictures ”
Full Album
(1981)
https://www.youtube.com/watch?v=3jr7llQ6gNQ



物悲しい歌が２曲続いたのでラッシュを紹介。

カナダ出身の３ピース編成のプログレバンド。
1970年代にデビューした頃はＺＥＰに良く似た音楽性だったが徐々にオリジナリティを高めていった。
これは多くのファンから最高傑作と言われているアルバム。

Rush “ The Big Money ”
(1985)
https://www.youtube.com/watch?v=WQgu0MpnKq8



Rush “ The Big Money ( A Show Of Hands Live) ”
(1988)
https://www.youtube.com/watch?v=zsskd9LCp_Y



シングルヒットした「ビッグ・マネー」。
ＣＧもロクに使えない時代のミュージック･ビデオという感じ。
下はライヴ・ヴァージョン。

Rush “ Tom Sawyer ”
Live in Rio
(2002)
https://www.youtube.com/watch?v=i8eaiBOh_G0



Rush “ YYZ ”
Live in Rio
(2002)
https://www.youtube.com/watch?v=1eSlvoO3Vw8



長い活動休止期間のあとに行なわれた世界ツアーの最後を飾ったブラジルでのライヴ映像。
バンドを迎えるリオ・デ・ジャネイロの観衆がサッカーファンと同じように熱いのが印象的。
特にインストゥルメンタル曲「ＹＹＺ」での合唱は凄い。

Steven Wilson “ Luminol ”
(2013)
https://www.youtube.com/watch?v=_w8SY_9yO8k



アルバム“ The Raven That Refuses to Sing (and other stories) ”の冒頭の12分以上に及ぶ緩急の激しいプログレッシヴ･チューン。

Techno Viking Best Version
https://www.youtube.com/watch?v=u0IofkJW9f0



ドイツでの路上音楽フェスで偶然撮影された男の映像が世界中で注目され
様々なバージョンやパロディが世界中でアップされてお祭り状態に・・・

Pantera “ Vulgar Display Of Power ”
Full Album
(1992)
https://www.youtube.com/watch?v=Nx08MK_O_TQ



「カウボーイズ・フロム・ヘル」の続編といえるアルバムだがパワーは段違いに上がっている。
特にダイムバッグ・ダレルの圧倒的なギター・テクニックと、それを支えるリズム陣の力強さが凄い。
技術的な高さでも音楽的破壊力でも、また人気の上でも、この当時のヘヴィメタル世界の頂点であったといって良いだろう。

New Order “ Blue Monday ”
(12 inch )
(1983)
https://www.youtube.com/watch?v=SVkq8IEO4tc



イギリスのテクノ･ミュージックの方向性を牽引したバンドの一つ、ニュー・オーダー。
冒頭のドラミングの非人間性が革新的だった。
これに関しては前身バンドであるジョイ・ディヴィジョンから語らなければなるまい。

Joy Division “ Unknown Pleasures ”
Full Album
(1979)
https://www.youtube.com/watch?v=wVvoQIdD80U



1977年、セックスピストルズの激烈な影響によってイギリスにパンクバンドが溢れかえった。
彼等はロンドンパンクと呼ばれ、その多くは３コード３分間の原始的ロックンロール・スタイルで言いたいことを言い切ってしまうと消え去って行った。
勿論それこそがパンクなわけで良いのであるが、幾つかのバンドは「自分のやりたい事をやり続けること」を追求し、誰にも似ていない個性を発揮し始めた。
彼等はロック史上に存在しなかった音楽性を獲得するか、
或いはそれまでの歴史上で無視されてきた特殊な音楽性に辿り着くことになる。
そういった新しい個性的音楽はニューウェイヴと呼ばれた。
ジョイ・ディヴィジョンはニューウェイヴ・バンドの代表格の一つである。

これはライヴデビューから２年後に発表されたデビューアルバム。
レコーディング･プロデュースの影響も強いが、既にロンドンパンクから懸け離れた冷徹な精神性になっているのが解かる。

ジョイ・ディヴィジョンの経歴については wikipedia を参照。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%B8%E3%A7%E3%A4%E3%BB%E3%87%E3%A3%E3%B4%E3%A3%E3%B8%E3%A7%E3%B3

初期の録音を聴くと典型的なパンクバンドであることが解かるのだが彼等は僅か２年ほどで独自のバンドサウンドに到達してしまう。
その音楽性は高く評価され全英チャートでは大ヒットにはならなかったもののインディー・チャートではヒットしている。
またヴォーカルのイアン・カーティスのライヴに於ける痙攣的なパフォーマンスも人気があった。

イアン･カーティス個人に付いての wikipedia を抜粋してみる。

https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%A4%E3%A2%E3%B3%E3%BB%E3%AB%E3%BC%E3%86%E3%A3%E3%B9

《自己の内面を執拗に問いかける詩は、孤独、不安、絶望の感情に満ちている。体制への怒りを表現したパンクに対し、カーティスの詩には、自分自身に対する怒りが強く表れている。

自身をとりまく世界の崩壊が暗喩を駆使した文学的な表現で冷徹に描かれる一方で、悲嘆を率直に吐露する表現もみられ、
デジタルで無機的なフレーズと情緒的なフレーズが拮抗するジョイ・ディヴィジョンのサウンドと相まって、理性と激情が葛藤する独自の内面世界が描き出されている。
インタビューでは自身の詩について、特にメッセージなどはなく、どうとでも好きなように解釈してもらえればいいと語っている。

周囲の人々は、詩の内容についてあまり気にとめず、詩に表れている苦悩がカーティス自身のものであるとは思っていなかった。
『クローサー』の歌詞があまりにも鬱々とした暗いものであることに不安を感じていたアニック・オノレに対し、所属レーベルの社長であったトニー・ウィルソンは、詩はあくまでもアートなのだから、恐れる必要はないと話したという。》

Joy Division “ Closer ”
Full Album
(1980)
https://www.youtube.com/watch?v=YQCcGhqug5I



イアン･カーティスの自殺は癲癇の発作に対する恐怖と妻を含めた三角関係の悩みが原因だとされることが多い。
直接的な切っ掛けは翌日から始まるアメリカツアーへの不安だったかもしれない。
それらについては記録映画とドキュドラマ映画が１本ずつ製作されているので興味のある人は見てみると良い。

しかし俺は、パンク的で無責任な叫びから陰鬱で内省的なバリトンヴォイスに変化していった歌にこそジョイ・ディヴィジョンの音楽の本質があったと思う。
これはカーティスが自殺する前に完成していたスタジオアルバム。

Joy Division “ Substance ”
(1977～1980)
https://www.youtube.com/watch?v=7FPgVk7Wh2I



ジョイ・ディヴィジョンはアルバムの構成が崩れるという理由でシングル曲をアルバムに入れなかった。
これは後年に発表されたシングル集。

曲が時代順に並んでいないが、これはＬＰ時代の名残りである。
ＬＰでは時代順に10曲で纏めてあったのだが、ＬＰには入りきらなかった７曲がＣＤでは追加されたため。
彼らが「ＷＡＲＳＡＷ(ワルシャワ)」と名乗っていた初期の録音「アン・アイデアル・フォー・リヴィング」に入っていたのが１・２・１１・１２曲目である。
“ Failures ”のような典型的パンクと言える直情的表現から９曲目のような静謐で美しい世界に至った精神的な経緯が興味深い。

NEW ORDER “ MOVEMENT ”
(1981)
https://www.youtube.com/watch?v=zrh5kaWfyMQ&list=PLA021089DF9214230



カーティスの自殺によってジョイ・ディヴィジョンは３人になってしまう。
彼等は「一人でもメンバーが替わったらバンド名を変える」という当初の約束通り「ニュー・オーダー」と名前を変えて再出発する。
これは、その１st アルバム。
パンクの面影が全く無い数学的とも言えるバンド･アンサンブルが印象的。

New Order “ Substance ”
Disc One
(1987)
https://www.youtube.com/watch?v=9-NFosnfd2c



１２インチ･シングル集サブスタンスではニューオーダーの音楽的な革新性の歴史が解かる。
これはシングル盤Ａ面集。

New Order “ Substance ”
Disc Two
(1987)
https://www.youtube.com/watch?v=16fMU9ccWfQ



こちらはシングルＢ面集。
どちらも１９８０年代というものを強く感じさせる傑作。